Hans-and-Lea-Grundig-Prize 2021

The 2021 Hans and Lea Grundig Prize has been awarded to artists Rajkamal Kahlon (Berlin), Rudolf Herz (Munich), and Natacha Nisic (Paris), as well as to art historian Dorothea Schöne (Berlin). After intensive discussion, the nine-member jury headed by Rosa von der Schulenburg and Eckhart Gillen made its majority decision on 19 May 2021 in Berlin.

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Guy Raz: ”A Yemenite Portrait” u. a.

Laudatio: Ines Weizman, NS-Dokumentationszentrum München, 7. November 2019

Guy Raz studied photography in Tel Aviv at the School of Art in Tel Aviv, the Bezalel Academy of Art in Jerusalem and later also at the Hebrew University. As a jury, we were impressed by the work and engagement of Guy Raz, that began as a photographer and later moved increasingly to research projects and curating exhibitions. His portfolio shows this very noticeably – how he began his practice as a photographer reflecting on, observing and documenting the country in which he lived and how it was so radically transformed through the history of conflict between Israel and Palestine.

In the early 1990s he managed to capture portraits, streets scenes, landscapes in Gaza, the Westbank, or Lebanon – places to which it is today impossible to travel as an Israeli – at least not in a non-military mission. Over the long period of time we see how the views into the beautiful landscape – and of course, the passages and livelihood of Palestinians – are being interrupted and parcellated by Israeli roadblocks and checkpoints, watchtowers. Raz’ images show sensible scenes of the everyday on both sides of the borderlines. The paradoxical spatial fragmentation and militarization of the land call for the shared humanity of the region. His collection of treacherously-pleasant-to-look-at colourful photographs of painted new roadblocks – opens however to other border structures that go back to earlier military conflicts or to early divisions set up under the colonial orders of the French and the British mandate governments. It involved interviews that Raz conducted over many years with locals, the re-reading of landscapes and historical research. Raz’ trajectory hence evolved from taking, collecting and exhibiting his photographs, which of course, involved the rearrangement and reading of his own archive, to other image archives and collections that had been largely forgotten or that called for new ordering principles and readings.

As a curator Raz set about to research and exhibit early photography in Palestine since 1839 to counter its far-reaching transformations with the scenic and cultural reality of the present. He devoted a particularly noteworthy research to women photographers who were forced to flee the national socialist regime in Europe and who struggled to continue their artistic works in British Mandate Palestine. I do envy you for the key you have to these wonderful treasures of images and collections, and it would be so wonderful if these image collections and your exhibitions could also be shown again or made available to the public in all parts of Israel/ Palestine, in the region and elsewhere internationally.

Working with photographs. Living with photographs. Is always a looking again. And every time we look at them again we are in them – in different details that connect to different histories. And this depends on context. We also need to revisit these photographs and collections presented by Guy Raz with new audiences, but we should also find a way to make them accessible across borders – especially in Israel/ Palestine and the wider region – where photography has been all-too ideologically  recorded and encoded. Guy Raz, as you are planning for years to establish an institution devoted to the history of photography of the region, and to make it a medium for exchange between artists and photographers across borders, it would be most delightful if this prize would help you to realise this project. 

Kollektiv BLOK (Ana Kutleša, Ivana Hanaček und Vesna Vuković ): The Art of the Collective – Case Zemlja (2016–2018)

Laudatio: Luise Schröder*. NS-Dokumentationszentrum München, 7. November 2019

But who is BLOK? BLOK is a curatorial collective which was founded in 2001in Croatia. It operates at the intersection of art, urban research and political activism. Over the past 18 years, the collective has designed and produced various projects platforms for collective work of artists, curators, researchers, political activists and anyone interested in the politics of space. 

Since 2016 they also run an artistic and social venue in the Zagreb neighborhood of Trešnjevka, called BAZA. This place is dedicated to the production of contemporary art, to education and to activism in the neighborhood and beyond.

BLOK applied for the Hans-and-Lea Grundig Award 2019 with an outstanding research and exhibition project called: The Art of the Collective – Case Zemlja. It deals with the activities of Zemlja, a left-wing artist association, operating from 1929 to 1935 in the area of Zagreb and in the surrounding towns and villages. It consisted of 34 professional artists, architects, professors, as well as peasants, factory workers, health workers and children. BLOK researched, collected and exhibited various art works and archive materials of Zemlja, that were scattered among many private and public archives and has never been shown to a public before. By mapping the member’s political biographies, their works and their connection to the worker’s movement within three exhibitions in Zagreb, Pula, Petrinja (2016-2018) BLOK made ot possible to re-read Zemlja’s artistic activities and to stress the connectedness of art production and the development of radical social movements within the interwar period in the area. The way BLOK curated and exhibited their research, makes it possible to acknowledge the heterogeneous legacy of Zemlja and to deal with discussions and discourse on antagonisms within collective artistic production in general. A subject which is as topical/important today.

By awarding the Hans-and Lea-Grundig award for art mediation and art history to the BLOK collective the jury wants stress the importance and necessity of BLOK’s work in the field of artistic production, art mediation and political activism in local and international contexts. 

*Luise Schröder konnte aufgrund anderweitiger Verpflichtungen nicht an der Preisverleihung teilnehmen. Ihre Laudatio wurde von Oliver Sukrow gehalten.

Christoph Oeschger: „They’ve Made Us Ghosts“

Laudatio: Eckhart Gillen. NS-Dokumentationszentrum München, 7. November 2019

In der Begründung der Jury wird die Komplexität der fotografischen Arbeit von Thomas Oeschger, geboren 1984 in Zürich, hervorgehoben, mit der er die politischen Dimensionen von Architektur und Raum sichtbar macht. In seiner Bewerbung schrieb er, dass er trotz der Bilderflut auf die Möglichkeit der Kunst hoffe, ein „Stolperstein und deshalb widerständig zu sein, starre Strukturen aufzubrechen und über die Disziplingrenzen eine Wahrnehmung zu verschieben. 

Am Beispiel meiner Arbeit «They’ve Made Us Ghosts» hiess das konkret die gängigen klischeehaften (Presse)Bilder von geflüchteten zu vermeiden und nicht nur eine Opferrolle zu zeichnen sondern die Geschehnisse in konkrete politische Prozesse einzubetten und somit ein anderes Verständnis der herrschenden Verhältnisse zu schaffen.“

Oeschger fotografierte in den letzten drei Monaten vor der Räumung des informellen Flüchtlingslagers, genannt „Dschungel“/Jungle, in Calais am 24. Oktober 2016.  Etwa 10.000 Flüchtlinge waren von der Räumung betroffen. Sie wurden gegen ihren Willen auf andere Unterkünfte verteilt. Ein Bewohner sagt: „Das Leben hier im Dschungel ist etwas für Tiere, nicht für Menschen. Hier will keiner lange bleiben.“

Nach der Räumung entstanden neue, kleinere versteckte Lager in den Wäldern rund um die Autobahn. 

Die Grenzsicherungsmaßnahmen werden von England als Nicht-Schengen-Staat auf französischem Boden um den Hafen und den Eurotunnel herum finanziert. So entstand ein erster innereuropäischer Grenzzaun, der den Brexit vorweg nahm.

Seinen rund 1.330 Aufnahmen und Portraits stellt Oeschgen Bilder von französischen Grenzwachkorps, Überwachungskameras und Sicherheitsarchitekturen gegenüber, um zu zeigen, wie die Menschen, in einer militärisch überformten Landschaft in politischen Machtstrukturen gefangen gehalten werden. Er will das Grenzregime und dessen Repressionsmechanismen in ihrer Komplexität sichtbar machen und die Rolle der fotografischen Bildproduktion und deren strukturelle Bedingungen kritisch hinterfragen. Oeschgen zeigt den prekären Alltag der Bewohner_innen (Haarewaschen mit einem Schlauch, Rasieren und ihre Versuche, sich trotzdem mit fantasievollen Beschäftigungen und Spielen die Zeit zu vertreiben. 

In komplexen Montagen verschränkt Christoph Oeschger die Bilder der Lagerzäune, mit ihren Kronen aus NATO-Draht, die Aufnahmen der Überwachungskameras, die geisterhaften Bilder der Infrarot- und Röntgen-Kameras und die Momentaufnahmen der Flüchtlinge im Lager, die hier als Menschen mit ihren ganz normalen Bedürfnissen in Erscheinung treten, nicht als gefährliche Eindringlinge.

Das Ergebnis seiner Arbeit veröffentlichte Oeschger als Buch mit einem Text des französischen Architekten und Theoretikers Léopold Lambert. Lambert ist Herausgeber des Funambulist Magazines, indem er sich mit den politischen Dimensionen von Architektur und Raum auseinandersetzt. 

Der Titel der Arbeit geht auf die Antwort eines Lagerbewohners auf seine Frage, was für ihn das Schwierigste an seiner Situation sei. Er anwortete: „They made us ghosts“. Die Jury möchte den Künstler ausdrücklich ermutigen, seinen eingeschlagenen Weg weiterzuverfolgen.

Jüdisches Museum Wien: Ausstellung „Die bessere Hälfte. Jüdische Künstlerinnen bis 1938“

Laudatio: Ines Weizman. Albertinum/Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 8. Dezember 2017

Diese Ausstellung, die aus einer mehrjährigen und wirklich bemerkenswerten Forschungsarbeit entstanden ist, behandelt zum einen die Bedingungen, unter denen es jüdischen Künstlerinnen zwischen etwa 1860 und 1938 in Wien gelang, sich Ausbildungs‐ und Ausstellungsmöglichkeiten zu verschaffen und ihren selbstgewählten Beruf professionell auszuüben. Zum anderen versucht sie, anhand von Werken und detailliert recherchierten Biografien zu vermitteln, was diese Künstlerinnen auch tatsächlich erreicht haben und welch erhebliche (heute allerdings zumeist unbekannte) Rolle sie zu ihrer Zeit im Kunstbetrieb spielten. 

Das Projekt hat den großen Verdienst, nicht nur einen wichtigen Teil der österreichischen Kultur- und Sozialgeschichte des 19. und 20. Jahrhunderts neu entdeckt zu haben, sondern auch, eindringlich den großen Verlust zu dokumentieren, welcher in Österreich, Deutschland und Europa durch die nationalsozialistische Rassen- und Vernichtungspolitik in der Kunst entstanden ist. Das Projekt würdigt erstmals qualitativ und quantitativ die Rolle jüdischer Künstlerinnen in der Wiener Kunstwelt des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts und ermöglicht einen Überblick über die großen künstlerischen Leitlinien und Einflüsse wie auch das intensive Studium der Werke. Kuratiert wurde die Ausstellung von Frau Andrea Winklbauer und Frau Dr. Sabine Fellner. Conny Cossa und Julia Nuler haben die Ausstellung gestaltet.

Andrea Winklbauer stammt aus Wien, studierte Kunstgeschichte und ist als Kunst-, Film- und Kulturhistorikerin sowie Kunstkritikerin tätig. 2008 wurde sie Kuratorin im Jüdischen Museum Wien, wo sie bereits seit 1992 an Ausstellungen mitwirkte. Ihre Forschungsschwerpunkte liegen auf den wechselseitigen Einflüssen von Kunst, Fotografie und Film sowie auf der österreichischen Kunst des 19. Jahrhunderts, Wien um 1900 und der Zwischenkriegszeit sowie Exilforschung. Sie hat zu diesen Themen zahlreiche Publikationen über Kunst, Kulturgeschichte, Fotografie und Film herausgegeben. Seit einigen Jahren beschäftigt sie sich intensiv mit Kunst von Frauen. 1999 hat sie an „Jahrhundert der Frauen“, eine der ersten Ausstellungen zu diesem Thema in Wien im Kunstforum der Bank Austria mitgearbeitet. 2012 kuratierte sie zusammen mit Iris Meder für das Jüdischen Museum Wien die Ausstellung „Vienna’s Shooting Girls. Jüdische Fotografinnen aus Wien in der Zwischenkriegszeit“.  Ihr aktuell gezeigtes Ausstellungsprojekt behandelt ebenfalls historische Fotografie. Hier geht es um Fotografien von Ze’ev Aleksandrowicz zwischen 1932 und 1936 in Palästina vor der Staatsgründung Israels. 

Sabine Fellner studierte Kunstgeschichte und Geschichte an der Universität Wien und an der Sorbonne in Paris. Zwischen 1989-1993 war sie als Kuratorin im Österreichischen Tabakmuseum tätig und promovierte in dieser Zeit. Seit 1994 beschäftigt sie sich als Kuratorin mit gesellschaftspolitisch aktuellen Fragen, , wie 2012 in der Ausstellung Der nackte Mann, oder 2015 in der Ausstellung Rabenmütter, die beide im LENTOS Kunstmuseum Linz zu sehen waren. Aktuell ist von ihr sowohl die Ausstellung Sterne. Kosmische Kunst von 1900 bis heute im LENTOS Kunstmuseum Linz zu sehen, die sie gemeinsam mit Elisabeth Nowak Thaller kuratiert hat, als auch die Ausstellung Die Kraft des Alters im Museum Belvedere in Wien. 2018 wird sie eine Ausstellung für das Austrian Cultural Forum in New York über zeitgenössische österreichische Künstlerinnen kuratieren. Sie publizierte zahlreiche Aufsätze und Kataloge zum Thema Alltagskultur und zur österreichischen Kunst des 19. und 20. Jahrhunderts und war damit wohl eine ideale Partnerin für eine Zusammenarbeit mit Andrea Winklbauer am Ausstellungsprojekt über jüdische Künstlerinnen in Wien.

Für die heute mit dem Hans und Lea Grundig Preis ausgezeichnete Ausstellung Die bessere Hälfte. Jüdische Künstlerinnen bis 1938 war es den Kuratorinnen ein besonderes Anliegen, zu vermitteln, wie schwierig es für Frauen dieser Zeit war, den Beruf der Künstlerin zu ergreifen und auszuüben. Dabei waren sie selbst überrascht zu entdecken, dass es in Wien tatsächlich eine weibliche Avantgarde gab. Da aber viele aus assimilierten jüdischen Familien stammten, wurden diese jüdischen Vertreterinnen aufgrund der Verfolgung ab 1938 in Österreich aus der Kunstgeschichte gestrichen. In ihrem, über 200 Seiten starken und mit zahlreichen Abbildungen versehenen Katalog beschreiben sie, wie Frauen von der männlich dominierten Kunsttheorie Themen aus der Natur und der häuslichen Sphäre zugeschrieben wurden. Dabei interessierten sich viele der engagierten Künstlerinnen explizit für soziale und politische Themen ihrer Zeit wie die Lebensbedingungen der Unterschicht, Prostitution, Krieg, und den aufkommenden Faschismus.  Die Wissenschaftlerinnen versuchten in mühsamer Recherchearbeit, die mehr als 40 Lebensläufe von Künstlerinnen zu rekonstruieren. Einige Frauen, denen die Flucht ins Exil gelang, konnten sie in der Nachkriegszeit wiederfinden, doch nur wenige von ihnen waren weiterhin künstlerisch tätig. Von vielen verlor sich in schmerzlicher Weise die Spur.

Ein weiteres zentrales Thema der Ausstellung ist der mit der Vertreibung einhergehende Verlust ganzer œuvres. Hier bewegt die Geschichte der Malerin Bettina Ehrlich‐Bauer, die den Großteil der Arbeiten ihres Ehemannes, des Bildhauers Georg Ehrlich, ins englische Exil übersiedelte, jedoch ihre eigenen spektakulären Werke in Wien zurückließ. Ein Teil dieser, seit 1945 verschollenen Gemälde war nur durch zeitgenössische Fotografien in schwarz/ weiß überliefert. Um die Eindringlichkeit des Motivs, aber auch den wohl endgültigen Verlust des Werkes hervorzuheben, haben die Ausstellungsmacherinnen eine Farbrekonstruktion von einem Selbstportrait der Künstlerin von 1928 anfertigen lassen. Das eindringliche Bild wurde als Titelbild der Ausstellung gewählt und verweist nicht nur auf die akribische Forschungsarbeit, die einer Art Spurensicherung gleicht, sondern zeigt auch, dass die Auseinandersetzung mit der Geschichte und deren Vermittlung immer wieder neue kreative Gesten der Aneignung und Vergegenwärtigung erfordert. Denn schließlich charakterisiert sich doch eine große Ausstellung durch ihre Fähigkeit, mit der Gegenwart sprechen zu können. Das heißt gerade im derzeitigen politischen Klima, die Herausforderungen unserer Gegenwart, komplexe zeithistorische Umstände und Kontexte zu verstehen und zu dokumentieren, anzunehmen und jene Fäden wiederzufinden, die unsere fragilen zeitgenössischen Kulturen mit Elementen der Vergangenheit verbinden. 

Diese Ausstellung schafft jene unglaubliche zeitliche Montage, eine Kombination von zeitlichen Epochen, die so harsch und grausam voneinander getrennt wurden, in einem konstruktivistischen Sinne, wieder übereinanderzulegen. Denn die Kuratorinnen verstehen es, der Vergangenheit mit den intellektuellen Instrumenten und der Sensibilität unserer Zeit zu begegnen. Die Ausstellung entstand gewiss auch nicht allein aus einem, dem Fach verpflichteten Sinn für eine Komplementierung einer noch zu wenig untersuchten Fragestellung, sondern reflektiert ja auch die Herausforderungen unserer Gegenwart, in der Frauen noch immer um ihre Gleichberechtigung kämpfen müssen, in der wir uns alle den Problemen, die sich aus der Zuschreibung und Reproduktion von Geschlechterverhältnissen ergeben, widmen müssen. Ja nicht zuletzt auch in einer Zeit des hashtags me too, in der wir immer mehr versuchen müssen, die Stille und das Wegsehen zu brechen. Dies ist nicht nur ein politischer Kampf, sondern auch ein Kampf, in der sich jede und jeder – nicht nur Kulturschaffende – darüber Gedanken machen muss, wie Sie die ihr zugänglichen Medien und die ihr naheliegende Expertise oder Disziplin nutzen kann, um eine Position zu artikulieren und letztlich mit Kompetenz und Engagement ganz neue Lesarten und Überzeugungen – ja neues Wissen zu produzieren; nicht zuletzt, um die vorherrschenden Machtstrukturen zu unterwandern und zu verändern. Gesellschaftskritik zeigt sich hier als eine Praxis, die sich auf einem Spektrum von Möglichkeiten zwischen Konsens auf der einen Seite und Aktivismus auf der anderen bewegt. 

Der Hans und Lea Grundig Preis möchte Arbeiten, die sich mit dieser radikalen Neugestaltung der ästhetischen Gegebenheiten auseinandersetzen, auszeichnen. Hier ist es eine Ausstellung, die versucht, den Anspruch aus der Gegenwart in die Vergangenheit zu vermitteln, um damit das Verhältnis zwischen dem Sichtbaren und dem Sagbaren, oder zwischen den Wörtern und den Körpern zu verändern. Dabei waren die Protagonistinnen, die in dieser Forschungsarbeit untersucht wurden, schwierig zu rekonstruieren, denn ihre Konturen – waren sie einmal nachgezeichnet – verblassten allzu leicht wieder in der Unschärfe einer kaum rekonstruierbaren Alltagswelt, oder einem nicht mehr nachvollziehbaren Verständnis der damaligen Gefahrenlage und Risiken bei Äußerung freier, gesellschaftspolitischer, künstlerischer Gedanken. 

Trotz der Schwierigkeiten, die Lebensläufe der Frauen, aber auch das Leben und den Verbleib der Kunstwerke zu erforschen, schafft es die Ausstellung, die wiedererweckte Selbständigkeit und Emanzipation von Frauen nachzuzeichnen. Sie verweist schließlich auch auf die doppelte Hürde der Unterdrückung der Frauen –  der ihres Judentums, als auch der des Familienpatriarchats innerhalb ihrer Gemeinschaft, die es zu überwinden galt; aber auch auf ihren Kampf um Anerkennung und Unabhängigkeit als Künstlerinnen männlich dominierten Kunstszene und dazu noch als jüdische Künstlerinnen. Doch ihre Modernität lag nicht allein in ihrem Mut und ihrer Entschlossenheit, sich als Frauen zu behaupten, sondern auch in der Erfahrung der Diaspora und des Exils. Man könnte behaupten, es gibt keine Moderne, die statisch ist. Die Moderne artikuliert sich durch die Bewegung des Autos, des Zuges, des Flugzeugs, den Medien, dem Radio, dem Film und durch die Bewegung der ProtagonistInnen über Grenzen hinweg. In Wien als sogenannten Schmelztiegel der Kulturen kamen alle diese Bewegungen zusammen. Die Künstlerinnen waren unmittelbar Teil dieser Moderne und prägten sie. Und tragischer Weise gehörte auch ihre grausame Umkehrung zu dieser Moderne.

Heute ist es eine besondere Aufgabe für HistorikerInnen und ForscherInnen, die Migrationsgeschichte dieser so harsch unterbrochenen emanzipatorischen Moderne, die auf den vielfältigen Wegen des Exils in die Welt hinausgetragen wurde, zu erfassen und darzustellen. Denn gemeinsam mit ihren Autoren und Treuhändern wurden auch Dokumente und Werke auf international verschlungene Wege gebracht, die oft zu schwierig zu durchschauenden Besitzverhältnissen führten. Die Geschichte der Migration ist somit auch die Geschichte von Objekten, die sich durch Verwahrungsstrukturen, Streitigkeiten und juristischen Auseinandersetzungen und im Spiegel von neuen Forschungsergebnissen und noch unbekannten Werken immer wieder neu positionieren und oftmals auch zu korrigieren sind. Doch wir müssen uns heute gerade in Hinblick auf die derzeitigen großen Ausrufungen der Diktatoren und den geopolitischen Turbulenzen und Tragödien dieser Welt, jener doch so dünnen Fäden der Geschichte bewusst werden, die Menschen über Kontinente und Generationen hinweg flechten.

Die Ausstellung Die bessere Hälfte. Jüdische Künstlerinnen bis 1938 von Andrea Winklbauer und Sabine Fenner hat uns dieses fragile Netzwerk vorgestellt, aber uns auch genug Zugang zu Anknüpfungspunkten ermöglicht, es zu erkunden und zu erweitern und aus den Fäden des Exils neue Fäden der Freundschaft und der Anerkennung zu spinnen. Gerade weil diese so sensibel recherchierte Arbeit tatsächlich die BetrachterInnen packt und auf völlig neue Gedankenwege bringt, hat sich die Jury für dieses Ausstellungsprojekt entschieden. Wir hoffen, dass es als Ausstellung noch an anderen Orten gezeigt werden kann und Sie weiterhin  viel Erfolg, Enthusiasmus und Inspiration finden, um Ihre Forschungsarbeit fortzusetzen und neue Projekte zu erkunden.